El noh y el kyogen son, junto con el kabuki y el bunraku, dos de las cuatro formas de teatro clásico de Japón. El noh, que en un sentido más amplio incluye el teatro cómico kyogen, alcanzó su forma teatral característica ya en el siglo XIV. Aunque el noh y el kyogen se desarrollaron juntos y son inseparables, también son en muchos casos exactamente contrarios. El noh es fundamentalmente un teatro simbólico donde lo más importante es el ritual y la sugerencia de una atmósfera estética rarificada, mientras que en el kyogen, por otra parte, lo más importante es hacer reír a la gente.

TEATRO NOH

Historia del teatro noh

A principios del siglo XIV, grupos de teatro que seguían diversas tradiciones teatrales con siglos de antigüedad hacían giras y actuaban en templos, santuarios y fiestas, a menudo con el patrocinio de la nobleza. El género de interpretación llamado sarugaku fue una de esas tradiciones. Las brillantes obras y los actores Kan’ami (1333–1348) y su hijo Zeami (1363–1443) transformaron el sarugaku en noh, dándole básicamente la misma forma que aún se emplea para interpretar en la actualidad. Kan’ami introdujo en el sarugaku los elementos de la música y la danza de la popular forma de entretenimiento kuse-mai, y atrajo el patrocinio de Ashikaga Yoshimitsu (1358–1408), un shogun Muromachi.

Tras la muerte de Kan’ami, Zeami pasó a ser el líder del grupo Kanze. El continuo patrocinio de Yoshimitsu le brindó la oportunidad de refinar todavía más los principios estéticos del noh del monomane (la imitación de las cosas) y el yugen, un ideal estético influenciado por el zen que enfatizaba la sugerencia del misterio y la profundidad. Además de escribir algunas de las obras más conocidas del repertorio noh, Zeami escribió una serie de ensayos que definieron las normas para interpretar el noh en los siglos posteriores. Tras la caída del shogunato Muromachi, el noh recibió un generoso patrocinio del líder militar Toyotomi Hideyoshi, y en el siglo XVII el noh se convirtió en “propiedad oficial” del shogunato Tokugawa. Durante aquellos años, las interpretaciones se hicieron aún más pausadas y solemnes que en tiempos de Zeami. Con la caída del shogunato, el noh en el periodo Meiji (1868–1912) se mantuvo vivo gracias a la dedicación de actores como Umekawa Minoru I (1828–1909) y al patrocinio de la nobleza.

Desde finales de la Segunda Guerra Mundial, el noh ha tenido que depender completamente del público. En la actualidad, el noh continúa recibiendo el apoyo de un pequeño pero dedicado grupo de amantes del teatro, y de un número considerable de aficionados que pagan por recibir lecciones de las técnicas de canto y danza empleadas en el noh. En los últimos años, el noh interpretado en el exterior durante la noche y bajo la luz de la lumbre (llamado takiginoh) se ha hecho cada vez más popular, y en el verano se representan muchas obras en templos budistas, santuarios sintoístas y parques.

Elementos de una interpretación de noh


Escenario. Originariamente, el escenario se hallaba en el exterior de un recinto, pero en la actualidad está situado habitualmente dentro de una estructura mayor que es, en sí misma, una obra de arte. El escenario principal, que mide seis por seis metros, está construido con madera de ciprés japonés (hinoki) pulida y está cubierto por un magnífico tejado de estilo sintoísta, y también hay un puente (hashigakari) que sirve como pasillo hacia el escenario. A derecha e izquierda del escenario principal hay zonas donde se sientan los músicos y el coro. El pino pintado en la pared trasera sirve como fondo único para todas las obras, y las palabras de los actores y el coro son el complemento del escenario.Los tres o cuatro músicos (hayashikata) se sientan en el fondo del escenario y tocan la flauta, el tambor de mano pequeño (kotsuzumi), el tambor de mano grande (otsuzumi) y, cuando la obra lo requiere, el tambor grande apoyado en el taiko o suelo. El coro, jiutai, cuyo papel principal consiste en cantar las palabras y los pensamientos del personaje principal, se sienta a la derecha del escenario.

Máscaras, papeles, trajes y accesorios. Muchas personas, tanto en Japón como en el extranjero, con un conocimiento directo escaso o nulo del teatro noh ha entrado, no obstante, en contacto con él a través de sus famosas máscaras, que a menudo se muestran en museos y en exposiciones especiales.

Las muchas variaciones de máscaras existentes se pueden dividir en varios tipos generales como, por ejemplo, las de mujeres jóvenes, hombres ancianos y demonios, e incluso entre máscaras usadas para el mismo papel hay niveles de dignidad diferentes (kurai) que afectan a cómo se va a interpretar el papel y la obra en general. La alegría y la tristeza se pueden expresar con la misma máscara haciendo ligeros cambios en la forma en que las sombras caen sobre sus rasgos. Habitualmente sólo shite, el personaje principal lleva máscara, aunque en algunas obras también llevan máscaras los personajes que lo acompañan (tsure). Los personajes secundarios (waki), los acompañantes (wakizure) y aquellos que interpretan a niños (kokata) no llevan máscaras.

El teatro noh también es conocido por sus extravagantes trajes de dibujos llamativos, los cuales crean un contraste muy marcado con el escenario vacío y los movimientos restringidos. Un traje de shite, con cinco capas y una prenda exterior de rico brocado crea una figura impresionante en el escenario, un efecto que se realza en algunas obras con una peluca de color rojo o blanco brillante. La habilidad del shite y waki de expresar mucho sólo con un gesto se refuerza con el uso de varios accesorios de mano, el más importante de los cuales es el abanico plegable (chukei). El abanico se puede usar para representar un objeto, como una daga o un cucharón, o una acción, como hacer una seña o una contemplación de la luna.

Obras. Un programa de noh tradicional incluye cinco obras de noh intercaladas con tres o cuatro de kyogen, pero un programa actual tiene probablemente dos o tres obras de noh separadas por una o dos de kyogen. Tanto el programa como cada obra individual se basan en la forma dramática jo-ha-kyu (introducción, exposición y final rápido), y una obra tiene habitualmente una sección jo, tres secciones ha y una sección kyu.

El repertorio del noh está formado por okina, que sólo se interpreta en ocasiones especiales y es más una danza ritual que una obra de teatro. Existen unas 240 obras clasificadas en cinco grupos diferentes.

El primer grupo consiste en obras con dioses (waki noh), en las que el shite es el primer ser humano y posteriormente un dios. Estas obras, de movimientos pausados hasta para las normas del noh, se interpretan raras veces en la actualidad. El segundo grupo incluye las obras de guerreros (shura-mono); en la mayoría de ellas, un guerrero muerto del bando perdedor en la guerra entre los clanes de Taira y Minamoto suplica a un monje que rece por su alma. Las obras con pelucas (kazura-mono) corresponden al tercer grupo. Estas obras representan a menudo una mujer hermosa del periodo Heian (794–1185) que está obsesionada con el amor. El cuarto grupo es el más grande y se conoce habitualmente como “noh misceláneo” (zatsu noh) porque incluye obras con una variedad de temas. El quinto y último grupo corresponde a las obras con demonios (kichiku-mono). En estas obras, que tienden a ser las de movimientos más rápidos entre todos los grupos, el shite aparece a menudo en forma humana en la primera escena y luego se revela a sí mismo como un demonio en la segunda escena.

TEATRO KYOGEN

Historia del kyogen

Se cree que el kyogen tiene su origen en las obras de entretenimiento introducidas en Japón desde China en el siglo VIII o antes. Esta forma de entretenimiento evolucionó y se convirtió en sarugaku en el siglo siguiente, y hacia principios del siglo XIV ya había una clara distinción dentro de los grupos de sarugaku entre las obras del noh serias y las del kyogen humorísticas. Como parte componente del noh, el kyogen contó con el patrocinio de la clase militar hasta la restauración Meiji (1868). Desde entonces, el kyogen se ha mantenido con vida gracias a grupos de familias, principalmente de las escuelas Izumi y Okura. Actualmente, los actores profesionales del kyogen interpretan obras independientemente o como parte de los programas del noh.

Interpretaciones y obras

La palabra kyogen se refiere habitualmente a las obras cómicas independientes que se interpretan entre dos obras de noh, pero el término también se usa para los papeles tomados por actores de kyogen dentro de las obras de noh (también llamados aikyogen). Entre los papeles de kyogen existentes dentro de las obras de noh algunos forman una parte integral de la propia obra, pero lo más normal es que el papel del kyogen sirva a modo de puente entre los actos primero y segundo. En el último de los casos, el actor de kyogen permanece solo en la pantalla y explica la historia en un idioma coloquial. Esto da tiempo al noh shite a cambiar de traje y, para los espectadores de la era feudal sin educación, la obra era más fácil de entender.

En el repertorio de kyogen actual hay aproximadamente 260 obras independientes. En el sistema de clasificación más empleado, éstas se dividen en los grupos siguientes: waki kyogen (obras prometedoras), obras de daimyo (señores feudales), obras Taro-kaja (Taro-kaja es el nombre de un criado que es el personaje principal), obras de muko (yernos), de onna (mujeres), de oni (demonios), de amabushi (ascetas de montañas), obras shukke (monjes budistas), obras de zato (ciegos), obras mai (danzas) y obras zatsu (misceláneas). Con la excepción del grupo de obras misceláneas, la categoría más grande del kyogen corresponde a la de las obras Taro-kaja.

Los trajes del kyogen son mucho más sencillos que los usados en el noh, y se basan en los trajes reales que se usaron en el Japón medieval. En la mayoría de las obras del kyogen no se usan máscaras, aunque hay unas 50 obras en las que sí se emplean, generalmente para los caracteres que no son humanos, como animales, dioses y espíritus. En contraste con la cualidad carente de expresión de los personajes del noh, tanto con máscara como sin ella, los actores del kyogen despligan necesariamente una destreza en las expresiones faciales para producir un efecto cómico.